BATTLE BEAST: "Steel" (Nuclear Blast)

Una de las revelaciones del año a nivel de heavy metal clásico es sin duda el discazo de debút que se han sacado de la manga estos fineses. Además, es una formación con chica al frente, en esa onda de formaciones clásicas con cantante femenina como puedan ser italianos WHITE SKULL, los germano/holandeses ZED YAGO (y su versión posterior en solitario de la cantante Jutta Weinhold) o los actuales CRYSTAL VIPER polacos. En una onda totalmente tradicional, sin meterse en camisas de once varas pero haciéndolo muy bien, nos encontramos con un trabajo sin duda de inspiración ochentera, demostrando que en el heavy metal lo que mejor funciona es lo que se hace de corazón, con personalidad y teniendo claro lo que puedes y quieres hacer. Además, pese a ser muy clásico, me gusta el deje épico de algunos temas (reforzado por el correcto e interesante uso del teclado) y sobre todo la fuerza y melodía que desprenden las guitarras, sin estridencias, y la habilidad que tienen (recuperada de los grandes) de hacer canciones que se te quedan. Además, según el momento son macarras (como la acelerada "Justice and metal" o las "acceptianas" "Armaggedon clan" y "Victory", brutales)  o elegantes (genial la balada "Savage and saint", la fuerza de "Iron hand" o el punto diferente de "Enter the metal world", por ejemplo), mostrando un amplio espectro de posibilidades y de sonoridades en un mismo disco.

Hablando de la vocalista, sin duda uno de los puntos a destacar del disco (y perfectamente secundada en coros y segundas voces por el bajista y uno de los guitarristas), hay que destacar que Nitte Valo hace un trabajo excelente, dando fuerza y personalidad a cada tema del álbum, y eso que no es una Doro precisamente pero sí transmite un montón con su voz y le aporta ese toque especial (además de las canciones en sí me refiero) que diferencia a una banda más de una formación realmente interesante como la que tenemos entre manos. En definitiva, un excelente álbum de heavy metal a la vieja usanza pero facturado a finales de 2011, además de una banda que, sin más pretensiones que hacerlo bien, han conseguido darle forma a uno de los álbumes del año dentro del estilo. Ya lo dicen en el estribillo de uno de sus temas: "shake the world with heavy metal", ni más ni menos. Gran sorpresa y es que de verdad que es un gustazo el poder encontrarte aún en estos tiempos grupos y discos como éste.  

David Esquitino

Crítica. Mean Streak. Declaration of War

Mean Streak: "Declaration of War" (Black Lodge/Sound Pollution)

No dejan de llegarnos desde Suecia bandas de altísima calidad musical. Da igual cual sea el estilo, los suecos parecen encontrarse en estado de gracia. Ese es el caso de Mean Streak, exponentes del revival de Heavy Metal clásico, con innegables influencias de la NWOBHM aunque actualizados a los tiempos que corren. No obstante, pese a un nombre que podría recordarnos a Y&T, en el espectro más melódico o a las también ochenteras, pero en este caso thrashers americanas Meanstreak, lo que nos muestran es un puñado de canciones situadas en la tradición más clásica del Heavy Metal europeo. Y pese a que la portada podría tener ciertas reminiscencias al power melódico, los tiros se alejan en cuanto comenzamos a escuchar el disco.

Nos encontramos ante el segundo trabajo de la banda y tal vez lo más interesante de este "Declaration of War" es su falta de interés por indagar nuevos paisajes sonoros y por presentar una continuidad y fidelidad a sus influencias. Mean Streak lo tienen claro, riff potentes, una voz bastante clara, potente a la vez que melódica y una producción que no olvida los tiempos en los que vivimos. Los coros suenan de forma mucho más limpia que aquellos viejos discos de los ochenta. Pero aun así en temas como "Brothers til the end", uno de los himnos más coreables del disco ofrecen un perfecto contrapunto a la voz de Andy LaGuerin.

En ocasiones podemos encontrar influencias que van desde Accept hasta riffs que rememoran a los mejores Judas Priest como es el tema que cierra el disco, la fantástica "The Oblation".Y es que los dos guitarristas, David y Patrik disfrutan creando y mezclando solos rápidos y cristalinos que acompañan perfectamente a la base potente de batería de Jonas Källsbäck y de bajo de Peter Andersson.

Una sorpresa agradable, en definitiva, que gustará a todos aquellos que amen el Heavy Metal en sus tesituras más clásicas, potentes y sin olvidar la melodía.

Texto: Fernando Checa

Crítica. Mean Streak. Declaration of War

Mean Streak: "Declaration of War" (Black Lodge/Sound Pollution)

No dejan de llegarnos desde Suecia bandas de altísima calidad musical. Da igual cual sea el estilo, los suecos parecen encontrarse en estado de gracia. Ese es el caso de Mean Streak, exponentes del revival de Heavy Metal clásico, con innegables influencias de la NWOBHM aunque actualizados a los tiempos que corren. No obstante, pese a un nombre que podría recordarnos a Y&T, en el espectro más melódico o a las también ochenteras, pero en este caso thrashers americanas Meanstreak, lo que nos muestran es un puñado de canciones situadas en la tradición más clásica del Heavy Metal europeo. Y pese a que la portada podría tener ciertas reminiscencias al power melódico, los tiros se alejan en cuanto comenzamos a escuchar el disco.

Nos encontramos ante el segundo trabajo de la banda y tal vez lo más interesante de este "Declaration of War" es su falta de interés por indagar nuevos paisajes sonoros y por presentar una continuidad y fidelidad a sus influencias. Mean Streak lo tienen claro, riff potentes, una voz bastante clara, potente a la vez que melódica y una producción que no olvida los tiempos en los que vivimos. Los coros suenan de forma mucho más limpia que aquellos viejos discos de los ochenta. Pero aun así en temas como "Brothers til the end", uno de los himnos más coreables del disco ofrecen un perfecto contrapunto a la voz de Andy LaGuerin.

En ocasiones podemos encontrar influencias que van desde Accept hasta riffs que rememoran a los mejores Judas Priest como es el tema que cierra el disco, la fantástica "The Oblation".Y es que los dos guitarristas, David y Patrik disfrutan creando y mezclando solos rápidos y cristalinos que acompañan perfectamente a la base potente de batería de Jonas Källsbäck y de bajo de Peter Andersson.

Una sorpresa agradable, en definitiva, que gustará a todos aquellos que amen el Heavy Metal en sus tesituras más clásicas, potentes y sin olvidar la melodía.

Texto: Fernando Checa

Crítica. Slayer. World painted blood

Slayer: “World Painted Blood” (Sony/BMG):

Nuevamente tenemos ante nosotros un trabajo lleno de mala leche de estos maestros del thrash, obviamente una de las bandas más importantes e influyentes de la historia del metal. Nos encontramos ante un disco que no es novedoso ni especial, y lo digo básicamente porque es lo mismo que llevan haciendo durante todos estos años en el sentido de que es claramente la continuación perfecta de discos como “God Hates Us All” o “Christ Illusion”. De hecho, canciones como la que da título al disco o “Public Display Of Dismemberment” son el mejor ejemplo de que siguen como siempre: temas salvajes, rápidos y sobre todo destilando muy mala leche. De todas formas, creo que han conseguido levantar el pistón de calidad y de toque clásico comparado con sus predecesores de sus últimos años en temas como “Psycopathy red”, “Snuff” o “Hate worldwide”. Sin embargo, una vez han cumplido con la fórmula, deciden también demostrar algo diferente a partir de su séptimo corte, cuando los norteamericanos se desmarcan de ataduras y empiezan a buscar nuevas vías de escape con canciones también buenas como “Human Strain” o “Playing With Dolls”, que es para mí lo mejor del disco sin duda. De hecho, en mi opinión deberían centrarse en hacer este tipo de canciones, no en el sentido de “innovar” sino más bien de no hacer siempre lo mismo, porque a más de uno le cansará o le resultará muy repetitivo. Ahora, también habrá por supuesto muchos de sus fans que quieren seguir escuchando la apisonadora sónica y la picadora habitual 100% marca de la casa, King/Araya & Co.

A nivel de sonido y estilo, hay que destacar que Rick Rubin ha vuelto a hacer un buen trabajo con ellos, manteniendo muy bien el equilibrio entre su sonido clásico y ese toque algo más actual “necesario” en estos tiempos. Musical e instrumentalmente el disco es un cañón, y es que la banda está en muy buena forma, y de las letras con decir que son totalmente SLAYER debería ser suficiente para saber de qué estamos hablando, aunque voy más allá y la verdad es que esta vez Kerry King ha hecho un gran trabajo al respecto, sin parar de escupir maldad y agresividad pero con una rotundidad y rebeldía innata contra cualquier aspecto políticamente correcto que asusta. De todas formas, aunque a pesar de todo siguen en la cresta de la ola, como se suele decir, seguirán tocando y criticando como sólo ellos saben. Nunca se aburren y sus fans tampoco, y mientras no bajen el nivel de sus directos nadie les dirá nada porque hace muchos años que se ganaron este derecho. A estas alturas decir que es su mejor disco obviamente es una exageración, pero por otro lado no está de más afirmar que estamos posiblemente ante el mejor y más puro trabajo de SLAYER de sus últimos años.

Texto: Alex Encabo y David Esquitino

Crítica. Slayer. World painted blood

Slayer: “World Painted Blood” (Sony/BMG):

Nuevamente tenemos ante nosotros un trabajo lleno de mala leche de estos maestros del thrash, obviamente una de las bandas más importantes e influyentes de la historia del metal. Nos encontramos ante un disco que no es novedoso ni especial, y lo digo básicamente porque es lo mismo que llevan haciendo durante todos estos años en el sentido de que es claramente la continuación perfecta de discos como “God Hates Us All” o “Christ Illusion”. De hecho, canciones como la que da título al disco o “Public Display Of Dismemberment” son el mejor ejemplo de que siguen como siempre: temas salvajes, rápidos y sobre todo destilando muy mala leche. De todas formas, creo que han conseguido levantar el pistón de calidad y de toque clásico comparado con sus predecesores de sus últimos años en temas como “Psycopathy red”, “Snuff” o “Hate worldwide”. Sin embargo, una vez han cumplido con la fórmula, deciden también demostrar algo diferente a partir de su séptimo corte, cuando los norteamericanos se desmarcan de ataduras y empiezan a buscar nuevas vías de escape con canciones también buenas como “Human Strain” o “Playing With Dolls”, que es para mí lo mejor del disco sin duda. De hecho, en mi opinión deberían centrarse en hacer este tipo de canciones, no en el sentido de “innovar” sino más bien de no hacer siempre lo mismo, porque a más de uno le cansará o le resultará muy repetitivo. Ahora, también habrá por supuesto muchos de sus fans que quieren seguir escuchando la apisonadora sónica y la picadora habitual 100% marca de la casa, King/Araya & Co.

A nivel de sonido y estilo, hay que destacar que Rick Rubin ha vuelto a hacer un buen trabajo con ellos, manteniendo muy bien el equilibrio entre su sonido clásico y ese toque algo más actual “necesario” en estos tiempos. Musical e instrumentalmente el disco es un cañón, y es que la banda está en muy buena forma, y de las letras con decir que son totalmente SLAYER debería ser suficiente para saber de qué estamos hablando, aunque voy más allá y la verdad es que esta vez Kerry King ha hecho un gran trabajo al respecto, sin parar de escupir maldad y agresividad pero con una rotundidad y rebeldía innata contra cualquier aspecto políticamente correcto que asusta. De todas formas, aunque a pesar de todo siguen en la cresta de la ola, como se suele decir, seguirán tocando y criticando como sólo ellos saben. Nunca se aburren y sus fans tampoco, y mientras no bajen el nivel de sus directos nadie les dirá nada porque hace muchos años que se ganaron este derecho. A estas alturas decir que es su mejor disco obviamente es una exageración, pero por otro lado no está de más afirmar que estamos posiblemente ante el mejor y más puro trabajo de SLAYER de sus últimos años.

Texto: Alex Encabo y David Esquitino

Crítica. Saratoga. Secretos y Revelaciones

SARATOGA: “Secretos y Revelaciones” (Avispa)

Primer paso: el single… La impresión fue bastante buena, tanto que tienes ganas de ver cómo va a acabar la aventura. Segundo paso: escuchar el disco… Y es que no he sido la primera persona que dice aquello de “me esperaba más”. Tercer paso: escucharlo unas cuantas veces más…. Poco a poco se descubren más cosas, de hecho, el disco se va descubriendo a sí mismo, logrando que tema tras tema entres dentro de sus melodías cosa que en un principio parecía más difícil.
Así ha sido, y es que me vais a permitir tomarme la licencia de defender una rutina que, según avanzan los tiempos se está perdiendo: Coges el CD del grupo en cuestión, lo metes en la cadena de música (ahí estamos, nada de auriculares, ordenadores y nuevas tecnologías), con sus altavoces (¡de madera!), un sofá para sentarte con el libreto en la mano (¡papel!) y las orejas destapadas esperando una buena ración de heavy metal. Y esto lo digo porque sigo defendiendo que hay grupos que funcionan mejor cuando “parece que las melodías te envuelven”.

Después de esta licencia introductoria, vamos a entrar al trapo al 100%, y es que este nuevo disco de SARATOGA, “Secretos y Revelaciones”, creo que tiene un buen denominador común, y es que está muy bien trabajado. Además, en algunos detalles se ve la marca de Roland Grapow (ex HELLOWEEN y actualmente liderando a sus MASTERPLAN) que, según la propia banda, tenía licencia para cambiar a su gusto. Encuentro mucha variedad en los temas, pese a que un par de ellos me parece que no terminan de encajar muy bien con el resto del trabajo (parecen bajar de otras zonas de Europa, por decirlo de alguna manera), pero ante todo hay mucha calidad y algunos detalles interesantes como esas intervenciones de Andy (batería) con el piano en unas intros, solos o ritmos diferentes. En definitiva, es una evolución más en la carrera del grupo, pero manteniendo firme el sello sonoro de SARATOGA, quizás con una cierta vuelta a ese deje más power y rotundo de trabajos como “El clan de la lucha” o “Agotarás”.

Ya estaba en el single, pero “No sufriré jamás por tí” me sigue sorprendiendo por el ritmo que va cocinando la canción desde dentro, en gran medida gracias al trabajo de Niko al bajo. Pero tenemos que destacar a todos los componentes de la banda porque por ejemplo en “Deja Vu” Tony (guitarra) se marca un tema rotundo, con sólo de un minuto incluido que te deja embobado, con las orejas tan abiertas que se te olvida respirar. Pero no sólo Tony y Niko dan muestras de su calidad (por todos conocida a estas alturas) sino que Andy en “Mucho por vivir” realiza un muy buen trabajo, en un tema extraño pero que acaba gustando, y que es de los que me gusta etiquetar como “de directo”. Y como está de moda jugar a ser juez con SARATOGA, no se puede quedar atrás la opinión sobre Tete (voz), que personalmente opino que ha madurado mucho y aún nos puede dar más. De hecho, en este disco está llegando un poco más lejos y añade colorido al tono general a lo largo de los diferentes temas.

Siendo SARATOGA, una vez más hay que volver a alabar los temas lentos como “Mar de Luz” (ojo con la guitarra y ritmos de este tema) y “Cuando los sueños te hagan llorar”, diferentes pero muy buenos ambos dos. Pero no me puedo despedir sin comentar dos temas que me sorprendieron muy gratamente desde la primera vez que escuché el trabajo: “Luna Llena” y “Lágrimas de un Ángel”. El primero aparece rodeado de un ambiente y unos ritmos más oscuros que desembocan en unos estribillos optimistas y más limpios. Y desde el segundo nos muestran la visión de un soldado que desembarca en Normandía y que sólo puede ver la muerte delante de sus ojos.

Como resumen, pese a que mi primera impresión fue decepcionante con ese “me esperaba más” que decía al principio, después de escucharlo unas cuantas veces me parece un buen trabajo en el que podemos encontrar muchos aspectos a destacar y que, sobretodo, está repleto de calidad sonora y buen heavy metal. Sobre si supera o mantiene el listón con respecto a trabajos anteriores ya sois vosotros, los oyentes, los que tenéis que decidir.

Texto: Miguel Julián

Crítica. Saratoga. Secretos y Revelaciones

SARATOGA: “Secretos y Revelaciones” (Avispa)

Primer paso: el single… La impresión fue bastante buena, tanto que tienes ganas de ver cómo va a acabar la aventura. Segundo paso: escuchar el disco… Y es que no he sido la primera persona que dice aquello de “me esperaba más”. Tercer paso: escucharlo unas cuantas veces más…. Poco a poco se descubren más cosas, de hecho, el disco se va descubriendo a sí mismo, logrando que tema tras tema entres dentro de sus melodías cosa que en un principio parecía más difícil.
Así ha sido, y es que me vais a permitir tomarme la licencia de defender una rutina que, según avanzan los tiempos se está perdiendo: Coges el CD del grupo en cuestión, lo metes en la cadena de música (ahí estamos, nada de auriculares, ordenadores y nuevas tecnologías), con sus altavoces (¡de madera!), un sofá para sentarte con el libreto en la mano (¡papel!) y las orejas destapadas esperando una buena ración de heavy metal. Y esto lo digo porque sigo defendiendo que hay grupos que funcionan mejor cuando “parece que las melodías te envuelven”.

Después de esta licencia introductoria, vamos a entrar al trapo al 100%, y es que este nuevo disco de SARATOGA, “Secretos y Revelaciones”, creo que tiene un buen denominador común, y es que está muy bien trabajado. Además, en algunos detalles se ve la marca de Roland Grapow (ex HELLOWEEN y actualmente liderando a sus MASTERPLAN) que, según la propia banda, tenía licencia para cambiar a su gusto. Encuentro mucha variedad en los temas, pese a que un par de ellos me parece que no terminan de encajar muy bien con el resto del trabajo (parecen bajar de otras zonas de Europa, por decirlo de alguna manera), pero ante todo hay mucha calidad y algunos detalles interesantes como esas intervenciones de Andy (batería) con el piano en unas intros, solos o ritmos diferentes. En definitiva, es una evolución más en la carrera del grupo, pero manteniendo firme el sello sonoro de SARATOGA, quizás con una cierta vuelta a ese deje más power y rotundo de trabajos como “El clan de la lucha” o “Agotarás”.

Ya estaba en el single, pero “No sufriré jamás por tí” me sigue sorprendiendo por el ritmo que va cocinando la canción desde dentro, en gran medida gracias al trabajo de Niko al bajo. Pero tenemos que destacar a todos los componentes de la banda porque por ejemplo en “Deja Vu” Tony (guitarra) se marca un tema rotundo, con sólo de un minuto incluido que te deja embobado, con las orejas tan abiertas que se te olvida respirar. Pero no sólo Tony y Niko dan muestras de su calidad (por todos conocida a estas alturas) sino que Andy en “Mucho por vivir” realiza un muy buen trabajo, en un tema extraño pero que acaba gustando, y que es de los que me gusta etiquetar como “de directo”. Y como está de moda jugar a ser juez con SARATOGA, no se puede quedar atrás la opinión sobre Tete (voz), que personalmente opino que ha madurado mucho y aún nos puede dar más. De hecho, en este disco está llegando un poco más lejos y añade colorido al tono general a lo largo de los diferentes temas.

Siendo SARATOGA, una vez más hay que volver a alabar los temas lentos como “Mar de Luz” (ojo con la guitarra y ritmos de este tema) y “Cuando los sueños te hagan llorar”, diferentes pero muy buenos ambos dos. Pero no me puedo despedir sin comentar dos temas que me sorprendieron muy gratamente desde la primera vez que escuché el trabajo: “Luna Llena” y “Lágrimas de un Ángel”. El primero aparece rodeado de un ambiente y unos ritmos más oscuros que desembocan en unos estribillos optimistas y más limpios. Y desde el segundo nos muestran la visión de un soldado que desembarca en Normandía y que sólo puede ver la muerte delante de sus ojos.

Como resumen, pese a que mi primera impresión fue decepcionante con ese “me esperaba más” que decía al principio, después de escucharlo unas cuantas veces me parece un buen trabajo en el que podemos encontrar muchos aspectos a destacar y que, sobretodo, está repleto de calidad sonora y buen heavy metal. Sobre si supera o mantiene el listón con respecto a trabajos anteriores ya sois vosotros, los oyentes, los que tenéis que decidir.

Texto: Miguel Julián

Crítica. Axxis. Utopia

AXXIS: “Utopia” (AFM)

Cuando casi no acaban de parir un fantástico "Doom of destiny", poco después ya nos vuelven a enganchar con este "Utopia" que, cuanto menos, mantiene el nivel de calidad que merece un nombre tan importante en la escena del hard/heavy/power europeo. Además, es curioso como tras esa cierta "vuelta atrás" (si me permitís el término fácil) del anterior trabajo, inciden aún más en esa vena en este "Utopia", manteniendo por supuesto el estilo base de la banda (ese heavy/power metal alegre y melódico), y recuperando ese deje sino hardroquero de "II" o "The big thrill", sí retomando melodías y ese power metal primigenio acelerado y divertido de aquella época. Me gusta mucho volver a sonreír escuchando los temas de AXXIS y que, una y otra vez, te dejen con esa sonrisa que podría surgir hipnotizado por la mágica personalidad de Bernhard Weiss, líder del grupo desde siempre junto con el teclista Harry Oellers, que además recupera muchísimo protagonismo en el sonido del grupo.

Es un disco muy melódico, con gran sonido, y hay que destacar que el teclado sobresale en este caso por encima del resto de los instrumentos, dando mucho ambiente y color a los temas. Por otro lado, es cierto que quizás no sea el mejor disco de AXXIS pero lo que está claro es que cuanto menos no defrauda y que suena a AXXIS por los cuatro costados. El disco tiene 10 temas y una intro, para que nadie pueda protestar ni por exceso ni por defecto, con un sonido más sencillo y cercano a los 80 (todo esto matizado, por supuesto), pero a su vez muy atractivo y pegadizo, 100% en la línea de lo que siempre fue AXXIS tradicionalmente hablando Comenzamos de manera excelente con una gran "Utopia", en la línea de esos temas directos, rápidos y pegadizos que siempre fueron santo y seña de la banda. Y a partir de aquí, ya digo que buenas melodías, interesantes canciones muy AXXIS e incluso alguna sorpresa como el corte "Fass mich ann", oscura y grandilocuente (pero muy melódica), y cantada en alemán. Para quien nos gusta AXXIS de toda la vida, ya digo que disfrutaremos sin duda de temas como "Last man on earth" (heavy y más o menos épica pero con deje 100% AXXIS en coros, melodías y ritmo), "Sarah wanna die" (cañera y muy atractiva, y con una parte media/final en plan batalla instrumental impresionante) o "Heavy rain" (más melódica y con ese deje casi hardroquero de "The big thrill", incluso con sonidos cercanos a los sintetizadores de la época como curiosidad), además de la balada "Father's eye" (comenzando excelente con piano y voz y pasando pronto a ese tono a medio tiempo melódico tan típico en AXXIS en temas como "Living in a world", "Little war" o "Hold you"). Y para los que prefieran el estilo algo más épico y power de sus últimos trabajos, seguro que cortes como "Eyes of a child" o "Underworld" para cerrar (totalmente power, vaya) también os hacen sentir que AXXIS no defraudan.

En definitiva, casi sin comerlo ni beberlo ya tenemos aquí el nuevo trabajo de AXXIS que, aunque parezca de "Perogrullo", lo mejor que tiene es que suena a ellos mismos, con esa personalidad y clase de los liderados por el simpático Berny, pero añadiendo en este caso una cucharada extra de melodía y de toque más cercano a los primeros tiempos de la banda (sin abandonar el punto algo más detallista y épico de los recientes "Doom of destiny" y "Paradise in flames", aunque en este caso sí dejando detrás el punto más oscuro de estos).

Texto: David Esquitino

Crítica. Axxis. Utopia

AXXIS: “Utopia” (AFM)

Cuando casi no acaban de parir un fantástico "Doom of destiny", poco después ya nos vuelven a enganchar con este "Utopia" que, cuanto menos, mantiene el nivel de calidad que merece un nombre tan importante en la escena del hard/heavy/power europeo. Además, es curioso como tras esa cierta "vuelta atrás" (si me permitís el término fácil) del anterior trabajo, inciden aún más en esa vena en este "Utopia", manteniendo por supuesto el estilo base de la banda (ese heavy/power metal alegre y melódico), y recuperando ese deje sino hardroquero de "II" o "The big thrill", sí retomando melodías y ese power metal primigenio acelerado y divertido de aquella época. Me gusta mucho volver a sonreír escuchando los temas de AXXIS y que, una y otra vez, te dejen con esa sonrisa que podría surgir hipnotizado por la mágica personalidad de Bernhard Weiss, líder del grupo desde siempre junto con el teclista Harry Oellers, que además recupera muchísimo protagonismo en el sonido del grupo.

Es un disco muy melódico, con gran sonido, y hay que destacar que el teclado sobresale en este caso por encima del resto de los instrumentos, dando mucho ambiente y color a los temas. Por otro lado, es cierto que quizás no sea el mejor disco de AXXIS pero lo que está claro es que cuanto menos no defrauda y que suena a AXXIS por los cuatro costados. El disco tiene 10 temas y una intro, para que nadie pueda protestar ni por exceso ni por defecto, con un sonido más sencillo y cercano a los 80 (todo esto matizado, por supuesto), pero a su vez muy atractivo y pegadizo, 100% en la línea de lo que siempre fue AXXIS tradicionalmente hablando Comenzamos de manera excelente con una gran "Utopia", en la línea de esos temas directos, rápidos y pegadizos que siempre fueron santo y seña de la banda. Y a partir de aquí, ya digo que buenas melodías, interesantes canciones muy AXXIS e incluso alguna sorpresa como el corte "Fass mich ann", oscura y grandilocuente (pero muy melódica), y cantada en alemán. Para quien nos gusta AXXIS de toda la vida, ya digo que disfrutaremos sin duda de temas como "Last man on earth" (heavy y más o menos épica pero con deje 100% AXXIS en coros, melodías y ritmo), "Sarah wanna die" (cañera y muy atractiva, y con una parte media/final en plan batalla instrumental impresionante) o "Heavy rain" (más melódica y con ese deje casi hardroquero de "The big thrill", incluso con sonidos cercanos a los sintetizadores de la época como curiosidad), además de la balada "Father's eye" (comenzando excelente con piano y voz y pasando pronto a ese tono a medio tiempo melódico tan típico en AXXIS en temas como "Living in a world", "Little war" o "Hold you"). Y para los que prefieran el estilo algo más épico y power de sus últimos trabajos, seguro que cortes como "Eyes of a child" o "Underworld" para cerrar (totalmente power, vaya) también os hacen sentir que AXXIS no defraudan.

En definitiva, casi sin comerlo ni beberlo ya tenemos aquí el nuevo trabajo de AXXIS que, aunque parezca de "Perogrullo", lo mejor que tiene es que suena a ellos mismos, con esa personalidad y clase de los liderados por el simpático Berny, pero añadiendo en este caso una cucharada extra de melodía y de toque más cercano a los primeros tiempos de la banda (sin abandonar el punto algo más detallista y épico de los recientes "Doom of destiny" y "Paradise in flames", aunque en este caso sí dejando detrás el punto más oscuro de estos).

Texto: David Esquitino

Crítica. Cuernos de Chivo. Deshumanización

CUERNOS DE CHIVO: “Deshumanización” (CD Music)

Vamos con la reseña de este segundo trabajo de los toledanos CUERNOS DE CHIVO. La portada del trabajo, el nombre del grupo pero sobre todo la foto del grupo ya dice mucho. Y es que esas camisetas de GOJIRA no engañan a nadie. Así es, directos, trepidantes, sin tapujos con esa mezcla de Death Metal y Hardcore que nunca pasa indiferente delante de uno mismo: o te gusta o directamente no le ves el sentido. Pero con este disco estamos más cerca de la primera afirmación, pues es un buen trabajo con una muy buena producción que ha sido llevada a cabo por Tue Madsen (THE HAUNTED, DAGOBA,…). Riffs pesados, voz forzando garganta y grandes melodías pueden ser tres características que podemos destacar del álbum, aunque todo ello aderezado de forma que han conseguido que un trabajo que a primera vista pudiera parecer más bien cortito se transforme en un buen disco.

Huyendo de las canciones cortas (casi todas rondan los cuatro minutos y medio) consiguen sorprender a propios y extraños con variedad de melodías, algunas mezcolanzas de estilo y pequeños detalles de forma que casi todas las canciones destacan y son diferenciables. El primer corte que comentaré es “Un Final Sin Destino”, que desde un punto de vista muy personal me parece una de las mejores canciones del disco, con muy buenas melodías y cambios de ritmos a lo largo de los cuatro minutos y medio (exactos) de canción, pero es más o menos en el segundo minuto cuando uno se lleva una sorpresa y aparece la inconfundible voz de Leo Jiménez y la canción varía entre unos ritmos pesados impresionantes y una rapidez trepidante. El tercer corte de nuevo tiene su peculiaridad, y es que comienza con una cita de la película “Ciudad de Dios” pero pronto “Desata Tu Rabia” con velocidad y mucha calidad en el sonido. “La Venganza de los Narcos” es el corte más largo del trabajo pero sirve a modo de resumen de todo lo que nos vamos a encontrar en el disco: sonidos directos, buenas letras y calidad de la banda que derrocha metal en ocasiones muy directo o violento, pero siempre armonizado y bien coordinado. No quería cerrar esta review sin destacar “Hostil”, que empieza con una intro Hip-Hop para desembocar en el sonido de la banda. Sí, he de admitir que no miraba con buenos ojos el trabajo cuando llegó a mis manos, pero ahora me tendré que tragar mis palabras y volver a rendirme ante la grandeza de esta música que nos une.

Texto: Miguel Julián

Crítica. Cuernos de Chivo. Deshumanización

CUERNOS DE CHIVO: “Deshumanización” (CD Music)

Vamos con la reseña de este segundo trabajo de los toledanos CUERNOS DE CHIVO. La portada del trabajo, el nombre del grupo pero sobre todo la foto del grupo ya dice mucho. Y es que esas camisetas de GOJIRA no engañan a nadie. Así es, directos, trepidantes, sin tapujos con esa mezcla de Death Metal y Hardcore que nunca pasa indiferente delante de uno mismo: o te gusta o directamente no le ves el sentido. Pero con este disco estamos más cerca de la primera afirmación, pues es un buen trabajo con una muy buena producción que ha sido llevada a cabo por Tue Madsen (THE HAUNTED, DAGOBA,…). Riffs pesados, voz forzando garganta y grandes melodías pueden ser tres características que podemos destacar del álbum, aunque todo ello aderezado de forma que han conseguido que un trabajo que a primera vista pudiera parecer más bien cortito se transforme en un buen disco.

Huyendo de las canciones cortas (casi todas rondan los cuatro minutos y medio) consiguen sorprender a propios y extraños con variedad de melodías, algunas mezcolanzas de estilo y pequeños detalles de forma que casi todas las canciones destacan y son diferenciables. El primer corte que comentaré es “Un Final Sin Destino”, que desde un punto de vista muy personal me parece una de las mejores canciones del disco, con muy buenas melodías y cambios de ritmos a lo largo de los cuatro minutos y medio (exactos) de canción, pero es más o menos en el segundo minuto cuando uno se lleva una sorpresa y aparece la inconfundible voz de Leo Jiménez y la canción varía entre unos ritmos pesados impresionantes y una rapidez trepidante. El tercer corte de nuevo tiene su peculiaridad, y es que comienza con una cita de la película “Ciudad de Dios” pero pronto “Desata Tu Rabia” con velocidad y mucha calidad en el sonido. “La Venganza de los Narcos” es el corte más largo del trabajo pero sirve a modo de resumen de todo lo que nos vamos a encontrar en el disco: sonidos directos, buenas letras y calidad de la banda que derrocha metal en ocasiones muy directo o violento, pero siempre armonizado y bien coordinado. No quería cerrar esta review sin destacar “Hostil”, que empieza con una intro Hip-Hop para desembocar en el sonido de la banda. Sí, he de admitir que no miraba con buenos ojos el trabajo cuando llegó a mis manos, pero ahora me tendré que tragar mis palabras y volver a rendirme ante la grandeza de esta música que nos une.

Texto: Miguel Julián

Crítica. Ansiado. Viajando a la Eternidad

Ansiado. “Viajando a la Eternidad” (Producciones Malditas)

La historia de la banda empieza con un “Todo comenzó en el mes de Octubre del año 2000 con el cambio del milenio, en un humilde local de Badalona (Barcelona)…”. La carrera de muchos grupos empieza así con mucha ilusión y toneladas de trabajo que, desgraciadamente, suelen acabar en maquetas y primeros discos poco o mal distribuidos. Pero, aunque no ha sido un camino de rosas, cambio de nombre y de formación incluidos, aquí tenemos el segundo trabajo del grupo anteriormente conocidos como ANSIA (es más, pese a que suenan diferentes ambos álbumes, el grupo ha puesto a disposición de los internautas la descarga de su anterior trabajo “Aprendiendo a Vivir”).

Este “Viajando a la Eternidad” es un un disco muy bien trabajado, con un buen sonido, directo, que sorprende desde los primeros temas, y acaba rematando con temazos como “El Indio” o “Luisa”. Por ponerles esas dichosas etiquetas que nos catalogan, así rápidamente, podríamos decir que suenan a una mezcla de Rock Urbano y Metal, todo aderezado con la voz de Pimpón, carismática y particular. Unas canciones van hacia LOS SUAVES, otras nos quieren recordar incluso a los míticos OBÚS, pero todo con ese toque personal que muchas bandas siguen buscando. Ritmos trabajados y bastante marcados en los temas, guitarras ágiles con solos en los momentos justos, con filigranas, limpieza y calidad. Son solos de guitarra que ponen un toque de color a canciones rítmicas con unas letras trabajadas que, si las escuchas con atención, tienen varias estrofas que perfectamente podríamos poner como himnos de la banda.

Vamos a adentrarnos en los temas de este “Viajando a la Eternidad”… “Despertaré” es una buena canción para abrir el disco y que sirve para ponernos en sobre aviso de lo que viene después: esa mezcolanza entre sonidos del rock urbano con toques metaleros. Pero para tema completo nos tendremos que ir al tercer corte del trabajo y que da nombre al mismo, “Viajando a la Eternidad”, empezando por una intro de las buenas, rondando el minuto, melódica y que nos va preparando para el tema directo que nos espera. Armonioso y con estribillos que se disparan a nuestros oídos, pero todo ello sin olvidar cuál es el estilo que quieren ir marcando. Pero no puedo acabar esta review sin destacar las guitarras de “Y Me Soltaste De La Mano”, que me siguen encantando una y otra vez. Y sobretodo uno no puede despedirse sin destacar “Luisa” y “El Indio”, como decía, dos temazos contundentes que, aunque diferentes, siguen marcados con el sello de la banda, de estos que esperarías escucharr en un directo para escuchar una buena dosis de rock.

Los caminos que tiene que recorrer una banda no son fáciles, pero con este segundo trabajo, ANSIADO nos demuestra las ganas que tienen de seguir adelante. Ya han dejado claro que calidad no les falta, y ahora esperamos que sigan siendo fieles al estilo que han marcado con este disco.

Texto: Miguel Julián Ramos

Crítica. Ansiado. Viajando a la Eternidad

Ansiado. “Viajando a la Eternidad” (Producciones Malditas)

La historia de la banda empieza con un “Todo comenzó en el mes de Octubre del año 2000 con el cambio del milenio, en un humilde local de Badalona (Barcelona)…”. La carrera de muchos grupos empieza así con mucha ilusión y toneladas de trabajo que, desgraciadamente, suelen acabar en maquetas y primeros discos poco o mal distribuidos. Pero, aunque no ha sido un camino de rosas, cambio de nombre y de formación incluidos, aquí tenemos el segundo trabajo del grupo anteriormente conocidos como ANSIA (es más, pese a que suenan diferentes ambos álbumes, el grupo ha puesto a disposición de los internautas la descarga de su anterior trabajo “Aprendiendo a Vivir”).

Este “Viajando a la Eternidad” es un un disco muy bien trabajado, con un buen sonido, directo, que sorprende desde los primeros temas, y acaba rematando con temazos como “El Indio” o “Luisa”. Por ponerles esas dichosas etiquetas que nos catalogan, así rápidamente, podríamos decir que suenan a una mezcla de Rock Urbano y Metal, todo aderezado con la voz de Pimpón, carismática y particular. Unas canciones van hacia LOS SUAVES, otras nos quieren recordar incluso a los míticos OBÚS, pero todo con ese toque personal que muchas bandas siguen buscando. Ritmos trabajados y bastante marcados en los temas, guitarras ágiles con solos en los momentos justos, con filigranas, limpieza y calidad. Son solos de guitarra que ponen un toque de color a canciones rítmicas con unas letras trabajadas que, si las escuchas con atención, tienen varias estrofas que perfectamente podríamos poner como himnos de la banda.

Vamos a adentrarnos en los temas de este “Viajando a la Eternidad”… “Despertaré” es una buena canción para abrir el disco y que sirve para ponernos en sobre aviso de lo que viene después: esa mezcolanza entre sonidos del rock urbano con toques metaleros. Pero para tema completo nos tendremos que ir al tercer corte del trabajo y que da nombre al mismo, “Viajando a la Eternidad”, empezando por una intro de las buenas, rondando el minuto, melódica y que nos va preparando para el tema directo que nos espera. Armonioso y con estribillos que se disparan a nuestros oídos, pero todo ello sin olvidar cuál es el estilo que quieren ir marcando. Pero no puedo acabar esta review sin destacar las guitarras de “Y Me Soltaste De La Mano”, que me siguen encantando una y otra vez. Y sobretodo uno no puede despedirse sin destacar “Luisa” y “El Indio”, como decía, dos temazos contundentes que, aunque diferentes, siguen marcados con el sello de la banda, de estos que esperarías escucharr en un directo para escuchar una buena dosis de rock.

Los caminos que tiene que recorrer una banda no son fáciles, pero con este segundo trabajo, ANSIADO nos demuestra las ganas que tienen de seguir adelante. Ya han dejado claro que calidad no les falta, y ahora esperamos que sigan siendo fieles al estilo que han marcado con este disco.

Texto: Miguel Julián Ramos

Crítica. The 69 Eyes. Black in blood

The 69 Eyes - “Black In Blood” (Nuclear Blast)

Los murciélagos de Helsinki han conseguido con su noveno disco mezclar mejor que nunca sus dos facetas: por un lado el sleaze y por otro el gothic rock. Ellos siempre han llevado a cuestas esta mezcla aunque, dependiendo de cada álbum, se han decantado más por uno que por otro y con este “Black In Blood” han conseguido superarse a sí mismos y coger partes de las dos caras, mezclarlo y sacar este genial trabajo. Es muy curioso porque, por un lado, suena completamente MÖTLEY CRÜE (como en “The Good, The Bad & The Undead”) pero, por otro, mantienen ese interesante rollo oscuro de THE CULT (por ejemplo el tema “We Own The Night” suena como un hijo bastardo de los citados) o bandas que siguen ese rollo goth ´n roll, por llamarlo de algún modo. Además, desde la portada hasta el último tema dejan claro que van a seguir haciendo esa actitud oscura pero a la vez macarruza y que saben llevar cada vez mejor ambas facetas y hacer que encajen a la perfección.

Tampoco han perdido esa actitud tan macarra que ellos suelen tener (y que demostraron claramente con su anterior disco, un directo grabado en un lugar tan legendario como el Whisky a Go-Go angelino), aunque sí hay que comentar que van dejando cada vez más de lado las voces guturales que estaban muy presentes en sus primeros discos, encontrando un equilibrio que personalmente me encanta.

De todas formas, en una opinión personal creo que este disco gustará más a los fans del sleazy rock, pero siempre con la condición de que sean abiertos o al que les gusten bandas como THE CULT o SISTERS OF MERCY, aunque tendrá también su público más gótico pues, como digo, es un disco que encuentra un equilibrio perfecto entre ambos géneros destacando como base general unas guitarras muy pesadas pero sin descuidar unos estribillos más accesibles que enganchan a la primera.

Texto: Alex Encabo

Crítica. The 69 Eyes. Black in blood

The 69 Eyes - “Black In Blood” (Nuclear Blast)

Los murciélagos de Helsinki han conseguido con su noveno disco mezclar mejor que nunca sus dos facetas: por un lado el sleaze y por otro el gothic rock. Ellos siempre han llevado a cuestas esta mezcla aunque, dependiendo de cada álbum, se han decantado más por uno que por otro y con este “Black In Blood” han conseguido superarse a sí mismos y coger partes de las dos caras, mezclarlo y sacar este genial trabajo. Es muy curioso porque, por un lado, suena completamente MÖTLEY CRÜE (como en “The Good, The Bad & The Undead”) pero, por otro, mantienen ese interesante rollo oscuro de THE CULT (por ejemplo el tema “We Own The Night” suena como un hijo bastardo de los citados) o bandas que siguen ese rollo goth ´n roll, por llamarlo de algún modo. Además, desde la portada hasta el último tema dejan claro que van a seguir haciendo esa actitud oscura pero a la vez macarruza y que saben llevar cada vez mejor ambas facetas y hacer que encajen a la perfección.

Tampoco han perdido esa actitud tan macarra que ellos suelen tener (y que demostraron claramente con su anterior disco, un directo grabado en un lugar tan legendario como el Whisky a Go-Go angelino), aunque sí hay que comentar que van dejando cada vez más de lado las voces guturales que estaban muy presentes en sus primeros discos, encontrando un equilibrio que personalmente me encanta.

De todas formas, en una opinión personal creo que este disco gustará más a los fans del sleazy rock, pero siempre con la condición de que sean abiertos o al que les gusten bandas como THE CULT o SISTERS OF MERCY, aunque tendrá también su público más gótico pues, como digo, es un disco que encuentra un equilibrio perfecto entre ambos géneros destacando como base general unas guitarras muy pesadas pero sin descuidar unos estribillos más accesibles que enganchan a la primera.

Texto: Alex Encabo

Crítica. Manuel Seoane. Burning Kingdom

MANUEL SEOANE: “Burning kingdom” (DFX Records)

Excelente el discazo de hard rock clásico, rotundo y pegadizo que se ha marcado el joven guitarrista madrileño Manu Seoane. Pese a que algunos le conocíamos como el guitarrista de ARS AMANDI, aquí se presenta como lo que realmente es: un músico y compositor impresionante, consiguiendo condensar en sólo 40 minutos toda la esencia del mejor hard rock de toda la vida, y haciendo que por fin nos acordemos sin sonrojarnos de que en España hubo formaciones tan buenas como SANGRE AZUL o NIAGARA que no tenían nada que envidiar (al menos musicalmente hablando) a los clásicos que venían de Estados Unidos y el norte de Europa (BON JOVI, DOKKEN, EUROPE, BONFIRE, el primer YNGWIE...). Y con sólo 22 añitos se nos desmarca Manu con toda una lección de melodía, de composiciones pegadizas, de elegancia y de temazos con ese aura de hits que hubieran tenido en cualquiera de los discos míticos de las bandas citadas (porque además están cantados en perfecto inglés).

Y pese a la limitada portada, (que engaña de primeras, las cosas como son), aquí no hay nada del proyecto en solitario de guitar hero de turno sino una banda al 100% que desde ya merece ser tenida muy en cuenta. Por tanto, quiero destacar también a un impresionante vocalista como es Dagarod (ex IS PAIN), que hace un trabajo exquisito, además de la producción de un maestro en la materia como es el gran Manolo Arias (guitarrista de ATLAS y DR SNAKE y ex... mil bandas del heavy/rock nacional), dotando al álbum de esas últimas gotas de magia sonora para que el producto tenga la mejor factura posible. Y nos vamos ya a los temas y hay que decir que el producto es perfecto, sin el más mínimo relleno, y que aparte de las dos instrumentales (que por gustos personales siempre me parecerán más intrascendentes), el conjunto de temas es impresionante, dejando ya a gusto del consumidor las canciones que más te gusten. Personalmente me quedo la fantástica “Livin´now”, que abre y da título al disco, el temazo que me parece “Rock on the radio”, pegadiza y roquera a más no poder (y del que grabarán vídeo clip), además de las guitarreras “Good times”, brutal, o “Rock Formosa”, con emotiva historia detrás. Y sin olvidarse de la buenísima versión que se marcan del “Big Bang” que grabaron NIAGARA con Fernando García (VICTORY) años ha, y que pone bien claro cuáles son las raíces e influencias del joven guitarrista.

En definitiva, una sorpresa superlativa y un discazo de bandera para no parar de escucharlo una y otra vez. Eso sí, cuando lo reediten con mejor portada y libreto les daré un 10 más rotundo, prometido.

Texto: David Esquitino

Crítica. Manuel Seoane. Burning Kingdom

MANUEL SEOANE: “Burning kingdom” (DFX Records)

Excelente el discazo de hard rock clásico, rotundo y pegadizo que se ha marcado el joven guitarrista madrileño Manu Seoane. Pese a que algunos le conocíamos como el guitarrista de ARS AMANDI, aquí se presenta como lo que realmente es: un músico y compositor impresionante, consiguiendo condensar en sólo 40 minutos toda la esencia del mejor hard rock de toda la vida, y haciendo que por fin nos acordemos sin sonrojarnos de que en España hubo formaciones tan buenas como SANGRE AZUL o NIAGARA que no tenían nada que envidiar (al menos musicalmente hablando) a los clásicos que venían de Estados Unidos y el norte de Europa (BON JOVI, DOKKEN, EUROPE, BONFIRE, el primer YNGWIE...). Y con sólo 22 añitos se nos desmarca Manu con toda una lección de melodía, de composiciones pegadizas, de elegancia y de temazos con ese aura de hits que hubieran tenido en cualquiera de los discos míticos de las bandas citadas (porque además están cantados en perfecto inglés).

Y pese a la limitada portada, (que engaña de primeras, las cosas como son), aquí no hay nada del proyecto en solitario de guitar hero de turno sino una banda al 100% que desde ya merece ser tenida muy en cuenta. Por tanto, quiero destacar también a un impresionante vocalista como es Dagarod (ex IS PAIN), que hace un trabajo exquisito, además de la producción de un maestro en la materia como es el gran Manolo Arias (guitarrista de ATLAS y DR SNAKE y ex... mil bandas del heavy/rock nacional), dotando al álbum de esas últimas gotas de magia sonora para que el producto tenga la mejor factura posible. Y nos vamos ya a los temas y hay que decir que el producto es perfecto, sin el más mínimo relleno, y que aparte de las dos instrumentales (que por gustos personales siempre me parecerán más intrascendentes), el conjunto de temas es impresionante, dejando ya a gusto del consumidor las canciones que más te gusten. Personalmente me quedo la fantástica “Livin´now”, que abre y da título al disco, el temazo que me parece “Rock on the radio”, pegadiza y roquera a más no poder (y del que grabarán vídeo clip), además de las guitarreras “Good times”, brutal, o “Rock Formosa”, con emotiva historia detrás. Y sin olvidarse de la buenísima versión que se marcan del “Big Bang” que grabaron NIAGARA con Fernando García (VICTORY) años ha, y que pone bien claro cuáles son las raíces e influencias del joven guitarrista.

En definitiva, una sorpresa superlativa y un discazo de bandera para no parar de escucharlo una y otra vez. Eso sí, cuando lo reediten con mejor portada y libreto les daré un 10 más rotundo, prometido.

Texto: David Esquitino

Crítica. Europe. Last look at Eden

EUROPE: “Last look at Eden” (Eae music)

Se cumplen 5 años desde la edición de su disco de reunión, “Start from the dark”, y ya tres discos después es obvio que hablar de que no suenan como en sus primeros tiempos es absurdo. Ellos siguen firmes en su postura más actual, potente e incluso pesada, aunque por otro lado es obvio que nunca dejarán de tener ese gancho melódico que siempre les hizo especiales. Me resulta curioso encontrarme con un álbum que suena más setentero que nunca, absolutamente clásico en estructuras y concepto, pero a su vez con un sonido intermedio entre la oscuridad y toque más moderno de “Start from the dark” y el punto más “melódico” y de calidad de “Secret Society”. Es decir, una particular mezcla entre un rock 100% enraizado en los 70 y en bandas como LED ZEPPELIN, GRAND FUNK RAIL ROAD, JIMI HENDRIX, THE WHO... (aparte de su propio sello personal que de una manera o de otra aparece en casi todos los temas), y un toque lógico más actualizado en sonido, que incluso me recuerda en muchos momentos a toques de los últimos U2, que reconozco que se hace raro en una banda como EUROPE.

De todas formas, comenzando por la portada, que me gusta, el disco ya sorprende. No sabemos si atrae o pincha, y es exactamente lo que ocurre con el trabajo, que en una primera escucha en general pincha, después atrae por partes y al final al menos no deja indiferente, aunque también es cierto que no ha llegado a entrarme aún (y eso que lo he escuchado muchas veces) cuando por ejemplo “Secret society” sí acabó haciéndolo. Incluso se me hace cuesta arriba el encontrarnos a un Joey Tempest con la voz tratada en muchos temas. Por supuesto que John Norum hace un trabajo excelente, ya sea metiendo caña y distorsionando su guitarra como haciendo acordes de blues o acústicos en las baladas, y de nuevo me reafirmo en la excelente base rítmica que siempre han tenido EUROPE, con un Ian que siempre me encantó como batería y un John Levèn sobrio pero siempre efectivo. Y finalmente nombro al teclista Mic Michaeli, que siempre es importante a nivel de detalles, arreglos, orquestaciones y demás para darle ese último ornamento a los temas de EUROPE que siempre han sido marca de la casa, aunque es el músico con menos presencia en el sonido, y es una lástima.

De todos modos, es obvio que muchos echaremos de menos si no directamente a los EUROPE más ochenteros y hardroqueros, sí el punto más melódico y con feeling que en “Last look at Eden” aparece más que con cuentagotas. Acercándonos ya a las canciones en sí, tengo que decir que es quizás donde más pegas le pongo al disco... Me explico: me gusta la generalidad del disco (con ciertas reservas), el sonido pese a todo, el trabajo instrumental general (aunque la voz tratada de Joey me chirriará siempre), y algunos temas en concreto, pero creo que naufragan en intentar experimentar demasiado en algunas canciones, que al final resultan cortes sosos y sin chispa Y aquí aparece mi reflexión, y es que me da la impresión de que, gustos aparte, los mejores temas del disco son los que más pueden recordar a los clásicos EUROPE, y ahí me entran de nuevo todas las dudas sobre la validez absoluta de los temas más modernos y experimentales de, en este caso, el nuevo disco. De hecho, leyendo críticas del disco, casi todo el mundo destaca la excelencia de las dos baladas, el single, algún corte más movido (y diferente, vale) como “Gotta get ready”, “Only young twice” o “The beast” pero poco más, y supongo que será por algo. Y es que hay canciones como el medio tiempo “No stone unturned”, la extraña “Run wit the angels” o incluso la ya conocida “Mojito girl” (casi funkie/rock y con muchos tintes “mainstream”), que me dicen muy poco.

Por ello, quizás prefiero cerrar la crítica del nuevo disco de EUROPE sin una valoración clara por mi parte y dejarlo un poco a la interpretación del lector/oyente.

Texto: David Esquitino

Crítica. Europe. Last look at Eden

EUROPE: “Last look at Eden” (Eae music)

Se cumplen 5 años desde la edición de su disco de reunión, “Start from the dark”, y ya tres discos después es obvio que hablar de que no suenan como en sus primeros tiempos es absurdo. Ellos siguen firmes en su postura más actual, potente e incluso pesada, aunque por otro lado es obvio que nunca dejarán de tener ese gancho melódico que siempre les hizo especiales. Me resulta curioso encontrarme con un álbum que suena más setentero que nunca, absolutamente clásico en estructuras y concepto, pero a su vez con un sonido intermedio entre la oscuridad y toque más moderno de “Start from the dark” y el punto más “melódico” y de calidad de “Secret Society”. Es decir, una particular mezcla entre un rock 100% enraizado en los 70 y en bandas como LED ZEPPELIN, GRAND FUNK RAIL ROAD, JIMI HENDRIX, THE WHO... (aparte de su propio sello personal que de una manera o de otra aparece en casi todos los temas), y un toque lógico más actualizado en sonido, que incluso me recuerda en muchos momentos a toques de los últimos U2, que reconozco que se hace raro en una banda como EUROPE.

De todas formas, comenzando por la portada, que me gusta, el disco ya sorprende. No sabemos si atrae o pincha, y es exactamente lo que ocurre con el trabajo, que en una primera escucha en general pincha, después atrae por partes y al final al menos no deja indiferente, aunque también es cierto que no ha llegado a entrarme aún (y eso que lo he escuchado muchas veces) cuando por ejemplo “Secret society” sí acabó haciéndolo. Incluso se me hace cuesta arriba el encontrarnos a un Joey Tempest con la voz tratada en muchos temas. Por supuesto que John Norum hace un trabajo excelente, ya sea metiendo caña y distorsionando su guitarra como haciendo acordes de blues o acústicos en las baladas, y de nuevo me reafirmo en la excelente base rítmica que siempre han tenido EUROPE, con un Ian que siempre me encantó como batería y un John Levèn sobrio pero siempre efectivo. Y finalmente nombro al teclista Mic Michaeli, que siempre es importante a nivel de detalles, arreglos, orquestaciones y demás para darle ese último ornamento a los temas de EUROPE que siempre han sido marca de la casa, aunque es el músico con menos presencia en el sonido, y es una lástima.

De todos modos, es obvio que muchos echaremos de menos si no directamente a los EUROPE más ochenteros y hardroqueros, sí el punto más melódico y con feeling que en “Last look at Eden” aparece más que con cuentagotas. Acercándonos ya a las canciones en sí, tengo que decir que es quizás donde más pegas le pongo al disco... Me explico: me gusta la generalidad del disco (con ciertas reservas), el sonido pese a todo, el trabajo instrumental general (aunque la voz tratada de Joey me chirriará siempre), y algunos temas en concreto, pero creo que naufragan en intentar experimentar demasiado en algunas canciones, que al final resultan cortes sosos y sin chispa Y aquí aparece mi reflexión, y es que me da la impresión de que, gustos aparte, los mejores temas del disco son los que más pueden recordar a los clásicos EUROPE, y ahí me entran de nuevo todas las dudas sobre la validez absoluta de los temas más modernos y experimentales de, en este caso, el nuevo disco. De hecho, leyendo críticas del disco, casi todo el mundo destaca la excelencia de las dos baladas, el single, algún corte más movido (y diferente, vale) como “Gotta get ready”, “Only young twice” o “The beast” pero poco más, y supongo que será por algo. Y es que hay canciones como el medio tiempo “No stone unturned”, la extraña “Run wit the angels” o incluso la ya conocida “Mojito girl” (casi funkie/rock y con muchos tintes “mainstream”), que me dicen muy poco.

Por ello, quizás prefiero cerrar la crítica del nuevo disco de EUROPE sin una valoración clara por mi parte y dejarlo un poco a la interpretación del lector/oyente.

Texto: David Esquitino

Crítica. Bon Scott Band. Coverage

BON SCOTT BAND: “Coverage” (Patagon Music/Promo Sapiens)

Curioso el disco que nos ocupa y a su vez con mucho encanto... Por un lado tenemos clasicazos de la historia de nuestro heavy rock de siempre (e incluso con un par de pinceladas más "actuales"), y por otro a una de las bandas de versiones más veteranas, conocidas y reputadas de nuestro país. Pues bien, de la mezcla de ambas surge este divertido y vacilón "Coverage" (obviamente con el juego de palabras entre "cover" y el "Powerage" de AC/DC), que no es ni más ni menos que un álbum de versiones de algunos de los himnos más rotundos de nuestro rock pasados por la batidora del estilo "acedeciano" de los catalanes. Y el resultado es excelente, curioso y muy entretenido, un disco de esos que te pones seguro en casa mientras te "maqueas" para una noche de marcha y no paras de canturrear y mover los pies mientras te miras al espejo combinando la camiseta de AC/DC (ya que estamos en la tesitura) con los elásticos y dudas aún entre las botas de "chúpame la punta", las "All star" o las zapatillas blancas de toda la vida para rematar atuendo antes de salir a comerte la noche.

Situaciones más o menos reales aparte, el caso es que la idea me parece genial y es que después de un par de trabajos tanto de versiones en directo de sus ídolos como con algunos temas propios, era un buen momento para hacer algo así, sin dejar de lado su seña de identidad tatuada con fuego y cuernos de los hermanos Young y compañía. De hecho, pese a su adoración absoluta por AC/DC, siempre es bonito homenajear y reconocer las influencias que todos los grupos nacionales tienen de gente como OBÚS, MIGUEL RIOS, BARRICADA, BARÓN ROJO o LEÑO, y en este sentido me gusta el detalle de la BON SCOTT BAND de encima hacerlo a su manera, llevando los temas originales a su terreno pero a la vez dotándolos de aun aire distinto, muy atractivo y metiéndole a cada canción un puntito de chispa para que tengan a la vez su magia originaria, el punto roquero, gamberro y vacilón de AC/DC y el toque distintivo que le ha ido queriendo dar la banda a cada tema.

Por ejemplo, hay cortes más o menos similares a las originales (porque, de hecho, ya eran bastante roqueras/"acedecianas"), como puedan ser el "Hay poco rock n'roll" de los PLATERO o el "Mueve tus caderas" de BURNING, aunque en general los que más me han gustado (dentro del excelente tono general) sean los que han quedado algo distintos y con una personalidad diferente pero muy guapa, como por ejemplo un "Peligrosa María" de LOS SUAVES casi a medio tiempo pero con mucho feeling, o "Alfileres" de MAREA, muy roquera pero bastante alejada del tema original. Por cierto, que no se me olvide comentar que hay varios de los protagonistas que han colaborado en el disco, dándole su rollito personal a los temas como es el caso del Boni de BARRICADA, Sherpa de BARÓN, Fortu de OBÚS, Mohamed de MÄGO o el Piñas y Kolibri de MAREA. Fantásticas por ejemplo las versiones del “No hay tregua” de BARRICADA, el “Dinero, dinero” de OBÚS, o las divertidas y bailonas “Me vuelvo loco” de TEQUILA y “Mueve tus caderas” de BURNING, además de la clase del “Generación límite” de MIGUEL RÍOS.

En definitiva, un disco diferente, que se nota que está hecho con mucho cariño y respeto, y que te deja con esa sonrisilla tonta del que se lo acaba de pasar realmente bien. Y por cierto, me quedo con la frase lapidaria con la que se cierra el disco: "Mi rollo, aparte de tu rollo, es el rock"... Lo dicho, un trabajo que efectivamente debería ser de obligada escucha en cualquier escuela o universidad del rock de nuestro país, ya sea en "Primero de Heavy", la optativa "Recuerdos del Canciller/Años de Razzmatazz" o el curso de postgrado especializado en "Iconos de nuestra historia". ¡Muy grande! Texto: David Esquitino